“Tutti vorrebbero essere Cary Grant, persino Io” (Cary Grant)

Una stella unica. Un portamento sontuoso, unito ad una presenza scenica teatrale che irradia lo schermo. Un’ eleganza delicata, equilibrata, curata fino al più piccolo movimento corporeo che lo rende una figura salda e centrale della macchina produttiva e artistica hollywoodiana che vive dal dopoguerra a fine anni ‘60 forse il suo periodo più magico e glorioso. Un corpo atletico ed incredibilmente longevo sostiene un attore che ha nella fisicità un elemento imprescindibile che lo accompagna in tutta la sua carriera, senza che mai le pieghe del tempo lo scalfiscano, anzi sembra vero il contrario: la maturità dà al suo personaggio un fascino ancora maggiore, data dall’esperienza, dalla saggezza e dalla tagliente intelligenza. Ciò gli farà vivere una seconda giovinezza cinematografica che lo immortala definitivamente nell’ Olimpo di Hollywood, grazie soprattutto a una collaborazione unica con un maestro come Hitchcock. Con il regista inglese, raggiunge il punto più alto del suo personaggio, consacrandosi come attore unico e leggendario, rimanendo tuttavia intrappolato sotto una maschera che non si è mai potuta modificare o artisticamente alterare ma che, seppur con ruoli diversi, è sempre stata la maschera di Cary Grant. Questo paradigmatico archetipo di eccellenza maschile impeccabile, desiderato da donne e da uomini, é stata una maschera pesante che Archibald Alexander Leach, un saltimbanco di Bristol in cerca di successo in America, si è costruito perfettamente addosso, diventando un principe per Hollywood (come lo definì la Dietrich) e che si rafforzò dopo gli anni ‘50, quando il nome di Grant era un marchio di fabbrica, un’ istituzione, che nn nascondeva sorprese, perché quando c’era Grant, prima c’era Cary Grant e poi tutto il resto: il personaggio , l’ intreccio, la struttura ecc. ecc..

Il Cary Grant che si affaccia a Hollywood vent’anni prima è un attore tuttavia molto più poliedrico, che spazia da ruoli drammatici a comici, sperimenta generi e stili, raggiungendo anche due importanti candidature all’ Oscar nel ‘42 e nel ‘44 con “Il ribelle” e “Ho sognato un angelo” ma non solo: si cimenta nella commedia grazie a Howard Hawks con “Susanna” e nel giallo famigliare con “Il sospetto” prima opera firmata Grant-Hitchcock. Con gli anni ‘50 invece si ritrova sugli schermi un attore molto più consapevole di sé e del pubblico ma che si è già incanalato in un personaggio ingombrante che non lascia spazio ad altre inclinazioni artistiche o studi interpretativi. Realizza film enormi, di grande livello, come “Magnifico scherzo” -Hawks, “Caccia al ladro” -Hitchcock, “Intrigo Internazionale” -Hitchcock ma anche altri eufemisticamente inferiori ai precedenti come “Orgoglio e passione” -Kramen, ma non riesce più a scrollarsi di dosso l’enorme e sicuramente piacevole fardello di essere e interpretare stupendamente Cary Grant. Come se il suo personaggio l’ avesse inghiottito, non permettendogli più di recitare lontano da lui. Nessuna sua interpretazione verrà menzionata o candidata a premi dopo le due del ‘40, pur essendo amato sempre più dal pubblico e dagli addetti ai lavori, come alcuni registi (come Hitchcock) che lo diressero più volte. Il suo talento unico e cristallino non ha forse mai avuto la possibilità di esplodere, prigioniero di un personaggio magnetico e favoloso, amato e desiderato, che tutti avrebbero voluto essere, anche lui stesso.

Questa sua duplicità l’ ha accompagnato anche dopo la morte avvenuta nel 1986. La sua vita privata è sempre stata riservata, protetta gelosamente e questo ha dato adito a molti pettegolezzi. Si sposò per 5 volte e i suoi matrimoni non durarono mai a lungo. Ebbe una figlia, Jennifer, dal suo penultimo matrimonio a 62 anni. Una sua ex moglie Dyan Cannon di lui disse: “Avere a che fare con lui è come leccare il miele dalla lama di un rasoio”. La stessa attrice lo accusò di essere un’anima tormentata che soffriva spesso di crisi depressive e nel tentativo di ritrovarsi si rifugiava in sedute di LSD che lo aiutavano a fare i conti col suo passato e con un rapporto molto particolare con la madre, considerata morta ma poi scoperta rinchiusa in una clinica psichiatrica vent’anni dopo, quando lui era già una celebrità. Anche le voci su una sua presunta omosessualità si sono rincorse a lungo, soprattutto dopo la pubblicazione di un diario del suo amico costumista Horry Kelly. Una serie di pettegolezzi che vengono in modo vertiginoso affrontati nel documentario realizzato nel 2017: “Cary Grant, dietro lo specchio”.

Spunti da rotocalco che esulano dalla grandezza indiscutibile dell’attore che forse avrebbe potuto dare più all’ Arte ma, che come pochi, è riuscito ad impersonificare la grandezza leggendaria del Cinema di Hollywood, con una classe unica che l’ ha reso stella salda e magnifica del Cinema Occidentale.

Ottenne un’ Oscar alla carriera nel 1970. Lo premiò Frank Sinatra che, presentandolo, riesce a cogliere alcuni essenziali aspetti di questa leggenda del Cinema: “…Nessuno ha portato più piacere a più persone per così tanti anni come ha fatto Cary. Nessuno è riuscito a fare così bene molte cose: dalla commedia leggera al dramma profondo, facendolo sembrare facile. Nessuno è stato più ammirato ed amato dai suoi colleghi per capacità, finezza, delicatezza e per la sua capacità unica di essere Cary Grant…”

Infine, vi offro un interessante (si fa per dire) elenco di film con Cary Grant in ordine cronologico che potrebbero aiutare ad apprezzare e comprendere meglio questo magnifico attore:

Il diavolo è femmina” -Cukor , “Orribile verità” -McCarey , “Susanna!” -Hawks, “Incantesimo” -Cukor, “Non puoi impedirmi d’ amare” -Cromwell, “Ho sognato un angelo” -Stevens, “Il sospetto” -Hitchcock, “Arsenico e vecchi merletti” -Frank Capra, “Il ribelle” -Odets, “Notorius l’amante perduta” -Hitchcock, “Il magnifico scherzo” -Hawks, “Caccia al ladro” -Hitchcock, “Indiscreto” -Donen, “Intrigo internazionale” -Hitchcock, “Operazione sottoveste” -Edwards, “Sciarada” -Donen, “Cammina non correre” -Walters.

“Gravity” di Alfonso Cuaròn

UNA DRAMMATICA PASSEGGIATA NELLO SPAZIO

voto: ** e mezzo

Immagine

Nello spazio, in mancanza di ossigeno e a oltre 200 gradi sotto lo zero, la specialista Ryan Stone, un ingegnere biomedico, sta lavorando su un satellite insieme all’ astronauta Matt Kowalsky, ufficiale abituato a passeggiare nello spazio e prossimo al pensionamento. Mentre i due, accompagnati da un collega, sono fuori dallo Space Shuttle tutta la zona viene attraversata da numerosi detriti a grande velocità arrivati da un satellite colpito inavvertitamente da un missile russo. Lo scontro sarà durissimo e lo shuttle verrà gravemente danneggiato, uccidendo tutti i partecipanti alla missione fuorchè la terrorizzata Ryan, che sta sprecando poco a poco l’ ossigeno e l’imperturbabile Matt che riesce, malgrado il dramma e il pericolo, a mantenere la calma e riflettere su come tornare a casa.

Una missione maledetta che nasconde insidie e problemi, uno dopo l’ altro. Quando la situazione, che fin da subito si complica diventando pericolosissima, sembra diluirsi e risolversi, immediatamente un avverso e tragico imprevisto mette a repentaglio di nuovo la vita dei superstiti e l’ intera missione. Ben presto la protagonista è l’ unica a resistere e diventa la vera eroiana  della pellicola, lottando contro il tempo, il fato e lo spazio per riuscire a tornare a casa. Col trascorrere dei minuti, da una prospettiva incerta e impotente, la specialista, alla sua prima missione nello spazio, diviene una moderna combattente spaziale, vestendo sempre più quella fisicità immortale dell’ ufficiale Ellen Ripley di “Alien” (vera e propria icona di genere). Un racconto di formazione che modifica profondamente la protagonista, esaltandone il coraggio e la determinazione, ma non risultando immune dal melodramma che, ciclicamente, appare in maniera sempre più costante con il suo culmine nella scena in cui il capitano Kowalsky decide di tagliare la corda che lo lega a Ryan, sacrificando la propria vita. Una pellicola che in ogni caso ha nella visionarietà e nell’ immagine i suoi veri protagonisti con un’ inquadratura che oscilla frequentemente da semi soggettiva a soggettiva con delle visioni atteraverso profondissime e spesso nauseanti perché coerenti all’ assenza di gravità sofferta dai protagonisti. Grandi e spettacolari le inquadrature della terra e dei vari satelliti, posti in una scenografia virtuale curata nei minimi particolari ed esaltata da un 3D dinamico e armonico nel contesto. Happy end che rispetta il classicismo hollywoodiano e volitivo simbolismo finale con il quale si chiude la pellicola col titolo della stessa, che irrompe dopo l’ ultima scena quasi a ricordare di cosa trattasse il film. Ottima l’ interpretazione “alla Weaver” di una Sandra Bullock migliorata enormemente negli ultimi anni (siamo veramente distanti dai tempi di “Demolition Man” e “Speed”). Un’ attrice di grande forza drammatica che dimostra le sue enormi qualità nell’ apogeo espressivo del film in cui in una scena di rara bellezza, quasi incredula di essere sopravvissuta, si lascia cullare dalla gravità dello spazio come un feto nell’ utero materno, citando il finale di “2001 Odissea nello Spazio”, vero modello dell’ intero genere. Buona anche la performance di Clooney che equilibra l’ enorme tensione che fin da subito cresce nella sceneggiatura con una calma sempre molto distensiva e necessaria nell’ economia del film.
Il regista Alfonso Cuaròn è messicano , già direttore de “Uno per tutte” e de “Il prigioniero di Azkaban” , ha partecipato con questa pellicola al 70^ Festival di Venezia e ha vinto il “Future Film Festival Digital Awards”. La sceneggiatura è stata scritta dal regista e dal figlio ma solo nel 2010 è stata acquistata dalla Universal dopo anni di accantonamento. James Cameron l’ ha definito , forse esagerando, il miglior space movie mai realizzato.

 

“Il lato positivo” di David O. Russell

FOLLIA E AMORE IN UNA COMMEDIA SENTIMENTALE ORIGINALE

voto: ** e mezzo

Immagine

Affetto da un disturbo bipolare,  cioè una psicosi maniaco-depressiva, Pat Solitano (Bradley Cooper) passa otto mesi in un Istituto psichiatrico dopo aver quasi ucciso l’ uomo trovato sotto la doccia con la moglie Nikki . Alla sua uscita si ritrova senza più moglie, che l’ ha abbandonato, senza casa e senza lavoro. Atterrito,  torna a vivere con i suoi genitori Dolores (Weaver) e Pat Sr. (De Niro), con i quali non è in ottimi rapporti, in particolar modo col padre, ma che rappresentano il suo unico punto di riferimento rimastogli. Malgrado insicurezze e idiosincrasie , il giovane cerca di riconquistare Nikki, nonostante l’ ordine restrittivo  che lo obbliga a starle lontano. L’ inaspettata conoscenza di Tiffany (Jennifer Lawrence) , una misteriosa quanto problematica ragazza vedova, gli stravolge la vita. La giovane gli offrirà il suo aiuto per riconquistare la ex moglie  soltanto se in cambio accetterà di partecipare insieme a lei ad una gara di ballo. Un’ empatia speciale ed un’  armonia unica si crea fra i due, che troveranno nei loro disturbi psicologici un aiuto reciproco ed un’ affinità unica che rivoluzionerà la loro esistenza. 

Tratto dal romanzo di Matthew Quick “L’ orlo argenteo delle nuvole”, la pellicola è diretta da David O. Russel, già regista del buon “The fighter” del 2010.

L’ enorme successo negli States, che ha portato il film a otto nomination all’ Oscar e la conseguente spinta mediatica europea e nazionale, che dentro i nostri confini ha portato a non parlare d’ altro radio e tv nell’ ultimo periodo, potrebbe deludere molti  spettatori  che si aspettano molto, forse troppo. Tuttavia “Silver Linings Playbook”, banalmente tradotto con “Il lato positivo”,  si dimostra un piacevole feel-good movie  che,  servendosi del genere della commedia e dei suoi canoni classici, riesce a focalizzare  una buona drammaticità espressiva che dà all’ intera pellicola una linearità molto quotidiana in un’ atmosfera fresca e spontanea. Le ostilità e le difficoltà della vita reale riescono ad essere piacevolmente raccontate  e veicolate con un filo conduttore romantico che trasporta e solletica lo spettatore, il quale  facilmente si immedesima nell’ imperfezione esplicita dei due protagonisti.  Essi  si dimostrano infatti perfetti nei panni di due problematici e insicuri vittime e non carnefici di una realtà complessa e articolata, in modo particolare nella figura di Tiffany, che ha portato la Lawrence ad aggiudicarsi l’ unico Oscar del film  come miglior attrice non protagonista. I tempi  narrativi  sono rispettati quasi perfettamente  e  accompagnati da un ottimo impianto prossemico ed uno sfruttamento ottimo dello spazio scenico soprattutto in alcune sequenze decisive per la conoscenza dei due personaggi e negli  snodi narrativi fondamentali.  Disordine e ordine, sia sceneggiativo che interpretativo si scambiano vicendevolmente  durante tutta la durata di tutte le scene e destabilizzano a tratti un racconto che appare piuttosto lineare e prevedibile, anche a causa del linguaggio ormai inflazionato della commedia romantica. Ma è proprio in quest’ ultimo aspetto che emerge la forza di questo film: nel suo essere una commedia romantica atipica, originale ma ordinata, squilibrata quanto i personaggi ma lineare e coerente. Sicuramente non il film dell’ anno, come è stato in varie occasioni definito,  ma senza dubbio piacevole e armonico.

Una nota di merito alla bellezza ,  alla freschezza  e  alla capacità inequivocabile  di Jennifer Lawrence, distante da Mystica dell’ “X-Men – L’ inizio” del 2011, ancora migliore che in “Hunger Games” dell’ anno scorso, che l’ ha consacrata icona e stella brillante del Cinema americano. E vedendola in questo film è difficile scommettere contro il suo successo.   Robert De Niro finalmente,  dopo un periodo sabbatico di quattro, cinque anni , ritorna in un ruolo non semplice e complesso, degno della sua grandezza.

ACADEMY AWARDS – 2013

OSCAR 2013, Mediocrità infranta da un  unico raggio di Cinema

Immagine

Si è conclusa una nuova puntata degli Academy Awards, quella del 2013,  e come al solito essa ha tenuto sospesi davanti al televisore svariate centinaia  di migliaia di telespettatori. O meglio, li ha tenuti sospesi  solo nei primi istanti di  spettacolo, perché la presentazione e lo humour tipicamente americano, accompagnati  dalle varie apparizioni eccellenti (e non)  e affiancati  da un  buonismo diffuso  miseramente dissacrato dallo stile del presentatore Seth MacFarlane, difficilmente saranno  riusciti a mantenere svegli tutto il pubblico che ha iniziato a guardare  lo show degli Oscar.  Complice anche la scansione inevitabile dei premi, che concentrava chiaramente quelli più prestigiosi  nel finale. Infatti   la tensione da risultato e la curiosità cinefila scema minuto dopo minuto, inesorabilmente, vittima di una simpatia ed un’ affabilità forzata e ripetitiva. Ma, di fatto, il livello dello spettacolo interessa poco e lascia presto la strada ai vincitori, ai risultati veri e propri. E in questo senso, gli Oscar vestono di successo “Argo”, il film diretto ed interpretato da  Ben Affleck, che riesce a raggiungere un risultato storico per la sua fresca carriera da regista, iniziata soltanto nel 2007 con lo sbiadito “Gone baby gone”.  Il film, tratto dall’ omonimo romanzo di Mendez e Baglio,  vince il premio  come “Miglior film” e come “Miglior sceneggiatura non originale” di Chris Terrio. Una pellicola buona ma a cui sta piuttosto larga la statuetta come opera cinematografica  n. 1 di quest’ anno. Tra i candidati nella categoria  infatti spiccano almeno due pellicole migliori della precedente, cioè “Amour” di Michael Haneke, che si è aggiudicato il premio come “Miglior film straniero” e sicuramente “Vita di Pi”, che tuttavia si porta a casa  4 statuette, profumando  da reale  trionfatore  del 2013. Non ci si può aspettare un plebiscito straniero in un concorso nato, creato e sostenuto da Hollywood, ma l’ enorme successo di  Ang Lee dimostra quanto la sua pellicola abbia profondamente condizionato l’ Academy. Risultato giusto,  anche se davanti alle 11 nomination,  forse “Vita di Pi” avrebbe meritato un risultato più rotondo, malgrado il prestigio dei premi vinti come “Regia”, “Fotografia”, “Effetti Speciali” (superando   la spietata concorrenza di “Prometheus” e soprattutto “The Avengers”) e “Colonna Sonora”.

Grande e meritato il risultato di “Amour”  nella categoria “Miglior Film Straniero” ma misera e inaspettata la reazione dell’ Academy al nostro grande “Cesare deve morire” dei Taviani che, dopo aver vinto lo scorso Festival di Berlino ed essere stata la pellicola scelta per rappresentare l’ Italia nell’ 85esima edizione degli Oscar, è stata scartata da osservatori  purtroppo troppo miopi. Un vero e proprio scandalo se si pensa alla qualità cinematografica di quest’ ultima  e della pellicola vincitrice della statuetta come “Miglior Film”. Stilisticamente e artisticamente i Taviani hanno realizzato infatti un’ opera unica, cinematograficamente superiore ad “Argo” e  “Amour” e di enorme consapevolezza e raffinatezza formale. Stesso destino al buon “Quasi Amici” di Nakache e Toledano,  escluso fin da subito. L’  Italia ha partecipato alla serata soltanto con il brano di Ennio Morricone ed Elisa, intitolato “Ancora qui”, presente all’ interno del tarantiniano “Django Unchained”

Il “Miglior film d’ animazione” se l’ è aggiudicato il buon “Brave” della Disney che, onestamente, gareggiava da solo, senza concorrenza reale per la categoria  quest’ anno. Ottimo e meritatissimo premio come “Miglior Corto d’ animazione” a “Paperman”, il romantico e dolce gioiello di John Kahrs e prodotto sempre dalla Disney.

Daniel Day-Lewis e Christoph Waltz si confermano (non soltanto per il premio) due dei migliori attori hollywoodiani  ora in circolazione con le pellicole di “Lincoln” e “Django Unchained”, che gli valgono l’ Oscar come “Migliori Attori” 2013, rispettivamente come protagonista e non protagonista.

Il premio come “Miglior attrice protagonista ”  è andato a Jennifer Lawrence per “Il lato positivo” e quello per la  “non protagonista ”  alla stupenda Anne Hathaway per il musical “I Miserabili”.

“Miglior sceneggiatura originale”, infine,  al non eccezionale “Django …” che , nel complesso, raggiunge un buon risultato e che favorisce il grande Tarantino con il premio più ambito per un regista completo come lui.

Una serata noiosa ed infinita che, senza sorprese, non innalza grandi prodotti cinematografici ai vertici del Cinema mondiale e che, alla luce delle scelte fatte, non fa nemmeno nulla per scovarli,  premiandoli come si meritano. Molta medietà  e conformismo in quest’ 83esima edizione , ottenebrata soltanto  dell’ ottima pellicola di Ang Lee che è il vero gioiello di tutto il 2013 e che dimostra senza alcun dubbio l’ enorme statura artistica del regista ed una forte propensione qualitativa dell ‘ Oriente, che  sta esplodendo Festival dopo Festival  e diffondendo i suoi prodotti  in un Occidente saturo e ripetitivo , figlio di una tendenza  cinematografica statunitense ormai solamente spettro di se stessa e che ha sempre meno cose da dire.

Tutti i premi:

Miglior filmArgo di Ben Affleck

Migliore attrice protagonista: Jennifer Lawrence per Il lato positivo

Miglior attore protagonista: Daniel Day-Lewis per Lincoln

Migliore attrice non protagonista: Anne Hathaway per Les Misèrables

Migliore attore non protagonista: Christoph Waltz per Django Unchained

Miglior regista: Ang Lee per Vita di Pi

Migliore sceneggiatura originale: Quentin Tarantino per Django Unchained

Migliore sceneggiatura non originale: Chris Terrio per Argo

Miglior film in lingua stranieraAmour (Austria)

Miglior film d’animazioneRibelle – The Brave di Mark Andrews e Brenda Chapman

Miglior fotografia: Claudio Miranda (Vita di Pi)

Migliori effetti speciali: Bill Westenhofer, Guillaume Rocheron, Erik-Jan De Boer e Donald R. Elliott (Vita di Pi)

Migliori costumi: Jacqueline Durran (Anna Karenina )

Miglior montaggio: William Goldenberg (Argo)

Miglior sonoro: Andy Nelson, Mark Paterson e Simon Hayes (Les Misérables)

Miglior montaggio sonoro: Per Hallberg e Karen Baker Landers (Skyfall) e Paul N.J. Ottosson (Zero Dark Thirty )

Migliori trucco e acconciatura: Lisa Westcott e Julie Dartnell (Les Misérables)

Migliore colonna sonora: Mychael Danna (Vita di Pi)

Miglior canzone originale: Adele Adkins e Paul Epworth (Skyfall)

Miglior scenografia: Rick Carter e Jim Erickson (Lincoln)

Miglior cortometraggioCurfew di Shawn Christensen

Miglior cortometraggio animatoPaperman di John Kahrs

Migliore documentarioSearching for Sugar Man di Malik Bendjelloul e Simon Chinn

Migliore cortometraggio documentario: Inocente di Sean Fine e Andrea Nix Fine

“Ruby Sparks” di Jonathan Dayton e Valerie Faris

WILDER E ALLEN IN UNA NUOVA E FRESCHISSIMA COMMEDIA ROMANTICA

voto: ***   (USA-2012)

ruby-sparks

Calvin Weir-Fields (Paul Dano) è uno scrittore di precoce successo. Il giudizio di genio gli viene accostato spesso ma un’ inattesa crisi espressiva non gli permette più di scrivere. Tutto ad un tratto la creatività, che lo ha reso uno scrittore conosciuto e ammirato, lo abbandona misteriosamente. Nemmeno il suo psicanalista Dott. Resenthal (Elliot Gould) riesce a risolvere le difficoltà e lo smarrimento di Calvin, incolpando soltanto la sua isolatezza emotiva. Come in una fiaba dei fratelli Grimm, il potere dei sogni viene in soccorso al protagonista che, da un momento all’ altro, inizia a immaginarsi nel sonno in modo chiaro e nitido una ragazza di cui si innamora e che incontra ogni notte. Ne viene letteralmente folgorato e più cresce la conoscenza e l’ amore verso questa inattesa dea naif, più cresce nel giovane romanziere una nuova e fresca ispirazione artistica e un impulso quasi fisico con la macchina da scrivere che non abbandona più. Il nuovo romanzo prende forma e la protagonista Ruby Sparks (Zoe Kazan) viene delineata con precisione prodigiosa, sempre più profondamente. Un nuovo entusiasmo permane la personalità di Calvin, sempre più innamorato della magica e onirica Ruby, fino a quando una mattina, misteriosamente, il ragazzo incontra proprio la protagonista del suo manoscritto nel salotto di casa . Lo scrittore è riuscito a creare una persona in carne ed ossa, speculare al personaggio dei suoi sogni. L’ iniziale preoccupazione di follia lascia presto il passo ad uno stupore incredulo e, senza pensarci troppo su, i due cominciano a vivere la loro storia d’ amore. Una relazione che, malgrado sia con una ragazza inventata e vicina al proprio ideale, nasconderà problemi, incomprensioni e divergenze che causeranno il logoramento della coppia e porteranno il protagonista a riflettere su di sé e sui propri sentimenti.

Una commedia romantica, fresca e brillante il nuovo film diretto a quattro mani da Jonathan Dayton e Valerie Faris, che mette in scena una storia d’ amore fantasiosa e irreale ma sempre coerente, originale e curiosa. Influenzata in parte dallo stile fantasioso di Woody Allen da un lato (espresso in alcune pellicole come “La rosa purpurea del Cairo” e il più recente “Midnight in Paris”) e dalla commedia anni ’60 di Billy Wilder, i medesimi produttori del piacevole “A Little Miss Sunshine” sponsorizzano una pellicola dinamica e armonica in tutti i suoi aspetti. La regia è ordinata, lineare e sorretta da sequenze ristrette che regalano grande varietà alla narrazione. L’ ampio cast offre una performance di ottimo livello, soprattutto nel protagonista Dano (presente anche in “A Little Miss Sunshine”), in Antonio Banderas (il patrigno di Clavin) e nella coprotagonista Kazan, nipote del grande regista di   Continua a leggere

“On the road” di Walter Selles

LETTERE E PELLICOLA NON PARLANO LA STESSA LINGUA

voto: * e mezzo  (USA-2012)

Immagine

La generazione dei ventenni del secondo dopo guerra americano  nelle zone di New York è il fulcro di un enorme fremito  intellettuale ed evasione emotiva, che sperimenta nuovi stili di vita e ricerche spasmodiche di realtà anticonvenzionali e antitradizionali. La letteratura è centrale in questo ambiente che si rivela coacervo di slanci artistici e ricerca formale e poetica. Lo scrittore Sal Paradise (Sam Riley), pseudonimo di Jack Kerouac, l’ autore del romanzo su cui si basa l’ intero film, assorbe da questo ambiente influenze e tendenze, riscoprendo profonde amicizie, amori estremi e ispirazioni poetiche. Il giovane e ambizioso scrittore conosce Dean Moriarty (Hedlund), personaggio che si ispira al poeta Neal Cassady, compagno di viaggio di Kerouac. Fra i due si instaura subito una grande complicità che li porterà a viaggiare in continuazione per tutto il territorio statunitense e oltre:  da New York (luogo in cui fanno conoscenza) a Denver, dall’ Alabama alla California, da San Francisco a Città del Messico. Viaggi vissuti dai due alla fine degli anni ’40 e che porteranno il giovane Paradise a scrivere, recuperando  i vari appunti da viaggio conservati durante gli anni, “On the road”, romanzo autobiografico , scritto in tre settimane su un rotolo di carta da tappezzeria lungo 36 mm, divenuto il manifesto culturale della cultura “Beat” americana, la cosiddetta “Beat Generation”.
Per trasformare in immagine un libro impossibile, il regista Walter Selles (autore anche dell’ indimenticabile “I diari della motocicletta”)  ha lavorato 8 anni e percorso più di 100 mila chilometri. Per non far annoverare il suo progetto come chimera, come successe già nel 1957 (quando i si cercò di realizzare una pellicola basata sul romanzo, coinvolgendo grandi star come Marlon Brando), Selles segue la stessa logica sperimentale dei film su Guevara, partendo dalle tracce di Kerouac, sfiorando luoghi e persone che in qualche modo abbiano potuto riguardarlo, con uno sguardo prima documentaristico e poi narrativo. E ed è questo approccio che non esalta il ritmo dell’ intera opera. Realizzare un film sulla Bibbia della “Beat Generation”, un racconto di viaggio che rappresenta anche rivolta generazionale e formazione giovanile è probabilmente uno sforzo che il Cinema, in quanto mezzo artistico e linguistico, sia per limiti temporali che formali, non può soddisfare completamente  ma, tuttavia, un’ organizzazione sceneggiativa prolissa e monocorde come questa non può sicuramente ambire a invertire questa difficoltà, anche parzialmente. La scenografia e le ambientazioni, insieme all’ attenzione caratteriale ai  protagonisti e ai vari personaggi, mostrano

un enorme lavoro strutturale ma che soddisfa solo minimamente uno spettatore assorbito sempre meno da un’ intreccio troppo dilatato, nauseante per la propria monotonia  che cerca di inglobare più avvenimenti possibili in 120’ di film purtroppo soporifero. Gli unici sbalzi narrativi   sono nelle scene  sessuali che si rincorrono sempre con un velo però  di censura e poca corporeità espressiva. Buono il parallelismo musicale che segue l’ immagine in modo armonico fin dall’ inizio con ottime colonne sonore jazz intriganti e avvolgenti e buona anche l’ attenzione ai particolari scenografici sia d’ interni che esterni, evidenziati da un uso della luce consapevole e puntuale.

Il Cinema negli ultimi anni si è approcciato al ricordo “Beat”  in almeno due casi: quest’ ultimo “On the road”  che ricalca il romanzo manifesto di quella generazione e “Howl” (“L’ urlo”) di Epstein e Friedman, film del 2010 che ripercorre il capolavoro di Allen Ginsberg. Seppur in modo diverso,  le due pellicole mostrano le difficoltà strutturali che si nascondono dietro alla narrazione cinematografica innanzitutto di un’ opera letteraria e secondariamente di opera  letteraria  che, come in questi  casi, è  manifesto generazionale di un’ intera identità  culturale. E in entrambi i casi l’ eccessiva complessità realizzativa, malgrado i buoni autori e attori utilizzati, ha messo a nudo  le enormi difficoltà espressive  che la riguardano.

“Prometheus” di Ridley Scott

UN DISCRETO RITORNO AD UNA FANTASCIENZA D’ ALTRI TEMPI

voto: ** e mezzo

(USA-2012)

Immagine

Sull’ isola di Skye, in Scozia, nell’ anno del signore 2089, gli scienziati  archeologi Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) e Charlie Holloway (Logan Marshall-Green)  scoprono in una grotta delle pitture di migliaia di anni prima  che raffigurano dei giganti che indicano una costellazione. Sovrapponendo questo disegno stellare a vari altri reperti storici,  dimostrano che in tutte queste scoperte appare la medesima immagine, che sembra essere una mappa stellare e , secondo la dott. Shaw, addirittura un invito a raggiungere i veri creatori del mondo e del genere umano: i cosiddetti “Ingegneri”. La Weyland Corporation finanzia, alla luce di queste scoperte, la costruzione della navicella “Prometheus” che con una équipe di scienziati raggiungerà nel 2093 la luna LV-223, l’ unico luogo ospitale  della disposizione di pianeti corrispondenti al disegno. Oltre alla presenza nell’ operazione dei due archeologi affiancati da vari altri scienziati,  l’ androide David (Michael Fassbender) si occuperà  della salute dei viaggiatori e della gestione di Prometheus, il comandante dell’ operazione è l’ affascinante e schietta Meredith Vickers (Charlize Theron) e la guida del vascello è affiata al divertente Capitano Janek (Idris Elba). La spedizione scientifica ha inizio con scoperte eccezionali che dimostrano la passata presenza di una civiltà molto più evoluta di quella umana, reperti alieni quasi perfettamente conservati, evoluzioni genetiche in atto e presenza di esperimenti scientifici inquietanti. La situazione tuttavia rimane sotto controllo fino alla  prevedibile  morte di due membri dell’ equipaggio, che si perdono nelle grotte anguste del sito ed entrano a contatto con strane forme di vita, somiglianti a rettili che entrano nel loro organismo, trasformandoli geneticamente.  Nel frattempo David decide di capire fino in fondo gli effetti dello strano liquido ritrovato nelle grotte sull’ uomo e decide di contaminare il bicchiere di Charlie. Continua a leggere

warrior di Gavin O’Connor

                                                                              SOGNO AMERICANO E LACRIME

                                                                                  voto :** e mezzo        (USA-2011)

Brendan (Joel Edgerton) e Tom Conlon (Tom Hardy) sono fratelli e non si vedono da molto tempo. Quest’ ultimo , dopo il divorzio dei genitori, è fuggito con la madre e si è arruolato nei marines, il primo è rimasto con la sua ragazza e ha messo su famiglia, diventando un docente di fisica. Entrambi non si rivolgono da tempo la parola e non parlano con il padre Paddy (Nick Nolte), ex alcolizzato. Queste tre vite ormai separate si rincontreranno grazie a “Sparta”,  un torneo di MMA (mix martial art) ad Athlantic City con un premio di cinque milioni di dollari , in cui parteciperanno i migliori combattenti al mondo. Tom decide di parteciparvi per mantenere la famiglia di un suo compagno di battaglia, caduto in Iraq e, tornato improvvisamente a casa, chiederà al padre di allenarlo. Brandon, ormai lontano dalla “gabbia” da anni, chiederà al suo ex allenatore Frank Campana (Frank Grillo) di allenarlo e portarlo al torneo per gravi problemi economici in famiglia e per mantenere sua moglie Tess e le sue due bambine. Tra sudore, lacrime e sangue i due guerrieri combatteranno, fino ad arrivare alla finale assoluta, che consegnerà il ricco premio solamente al vincitore, all’ ultimo rimasto in piedi.

Dopo un film sportivo sull’ hockey e la storia familiare di “Pride and glory”, Gavin O’ Connor (che nel film interpreta l’ organizzatore dell’ torneo, JJ Riley) cerca di sviluppare con “Warrior” queste due tematiche che non hanno nulla di originale, servendosi però   di un  double plot alternato in modo regolare e costante, riuscendo a dare grande vivacità e varietà alla pellicola. La macchina da presa, spesso a mano, è magistralmente condotta soprattutto negli incontri, dove viene reso lo scontro in modo molto chiaro e preciso, riuscendo a trasmettere grande tensione e adrenalina sportiva  allo spettatore. Scene di grande intensità che decollano chiaramente nella seconda parte del film , che danno una spinta considerevole alla sceneggiatura base di  una pellicola  che dura più di due ore e riesce a non stancare mai,  anzi l’ attenzione cresce sulla focalizzazione dei personaggi ripresi, affievolendosi solamente nel finale con lo scontro dei due fratelli poco incisivo  e poco convincente. La messa in scena è molto attenta e precisa come la cura dei personaggi, che fa emergere il carisma recitativo di Tom Hardy in modo diretto e netto, come capita spesso nei film che vedono lui come protagonista. La sceneggiatura è legata esplicitamente al format di  altre pellicola recenti o passate che hanno il combattimento come elemento base del film e mi riferisco a “Rocky”,  “Cinderella man” o “The fighters”, meno a “Million dollar baby” a cui è stato avvincinato spesso, tuttavia  si mostra dinamina e varia con colpi di scena presumibili ma ben girati e un’ umanità forte che percorre come filo conduttore tutto il film e tutti i suoi interpreti dal padre alla moglie di Brendan, dal preside della scuola dove Brendan lavora, all’ allenatore Frank, fino ad arrivare a Tom che nel film acquisisce il ruolo decisivo di maschera tragica della storia narrata. Sofferenza e fatica si mischiano in un film piacevoile e dinamico, forte e appasionante in cui molto è raccontato con l’ immagine più che con le battute e i copioni, con una grande attenzione alla scena e all’ impianto profilmico della ripresa. Pochissimo successo al botteghino ma buona critica.  Un’ ultima cosa, per tutti gli amanti del Wrestling, il temibile russo, campione assoluto della disciplina MMA, nel film  è interpretato da Kurt Eangle, campione di Wrestling storico.

il grinta dei fratelli Coen

                                                                 AFFLATO WESTERN IN CLIMA COEN

                                                                             voto: **       (USA-2010)

Colpita dall’ inaspettata morte del padre, la quattordicenne Mattie Ross (Hailee Steinfeld), dopo aver recuperato gli effetti personali paterni, spinta dall’ odio e dalla vendetta, ingaggia l’ ormai attempato sceriffo federale Rooster Cogburn (Jeff Bridges), conosciuto per la sua aggressività e,  per questo,  chiamato “il grinta”, con la ferma intenzione di  catturare e consegnare alla giustizia l’ assassino del padre, Tom Chaney (Josh Brolin). A questa improbabile caccia all’ uomo, che unisce una ragazzina imperturbabile e presuntuosa ad uno sceriffo alcolizzato ormai troppo vecchio, si aggiungerà anche un avvenente e orgoglioso  ranger texano, La Boeuf (Matt Damon), anch’ egli interessato alla cattura del fuorilegge per una grossa taglia. Tra discussioni, incomprensioni,sparatorie, morti,  liti e alcol, il viaggio si concluderà con il conseguimento del progetto iniziale ma con un inaspettato unhappy-end tipicamente coeniano che si ricollega ormai alla vecchiaia dell’ allora giovane Mattie che ricorda questa sua grande esperienza.

Remake dell’ omonimo film, tratto dal romanzo di Charles Portis e diretto nel 1969 da Henry Hathaway, che permise di aggiudicarsi  il primo Oscar al protagonista, John Wayne. Non impresa di poco conto riprendere una pellicola che ha fatto la leggenda del western e di John Wayne e tradurla in chiave moderna. Svariate sono le differenza sceneggiative ma lo scheletro originario viene rispettato quasi totalmente, a parte nel finale. I Coen, come detto sopra,  pongono la storia all’ interno di un grande flash back dell’ ormai anziana Mattie che rivede nei suoi ricordi quell’ uomo che l’ aveva aiutata nella sua impresa e che le aveva salvato la vita. L’ inesistenza di un vero e proprio prologo (come invece non avviene nel film di Hathaway)  rende il la pellicola  confusionaria e poco lineare, soprattutto nella prima parte; la protagonista non viene presentata a dovere e inizialmente pare eccesivamente artefatta, fuori luogo, fasulla (forse anche per via di quelle improbabili treccini che rendono ancora più puerile un viso già di per sé fanciullesco). La leggenda della pellicola originaria non si discute per sceneggiatura, scenografia, dialoghi, musiche ma soprattutto per John Wayne; la trasposizione dei Coen è più cupa, ci sono infatti scene per lo più di notte che di giorno; più decadente, con dei personaggi oscuri, tenebrosi e non luccicanti, brillanti come nel ’69 (aspetto inevitabile per caratteristiche cinematografiche temporali e di genere). Tutte queste ombre e questo “noir” però non fa altro che idealizzare i protagonisti,  rendendoli delle vere e proprie leggende viventi  e indistintamente, sia per i cosiddetti giusti che per i fuorilegge. A questo proposito,  grande l’ interpretazione di  Bridge (meritevole di un Oscar non arrivato), buona quella di Damon, ottima anche quella di Barry Pepper (che interpreta “Lucky” Ned Pepper), non eccezionale invece quella della giovane Steinfeld. Rivoluzionato il finale che i Coen reinterpretano nel loro modo sempre un po’ troppo pretenzioso e che punta sulla transitorietà del tempo che ha molto l’ aria di un’ autoreferenzialità incongruente e antitetica al resto del film. Nessun Oscar, anche se quello di Bridge urla ancora vendetta e incassi scarsi in Italia, medi in America per un’ opera che non si annovera tra le migliori dei Coen.

the duel di Steven Spielberg

                                            TEATRALITA’  MITOLOGICA TRA LAMIERE E CLACSON

                                                                                      voto: ***      (USA-1971)

Durante un viaggio per questioni di lavoro in auto, il pacato ed elegante commesso David Mann (Dennis Weaver) , con la sua Plymouth Valiant del 1970 rossa (un auto quasi aristocratica, una sorta di puro sangue della strada),  incontra davanti a sé  un’ autocisterna, una Peterbilt 281 del 1955 (a differenza della precedente un mezzo popolare, sporco, come un vecchio stallone sgangherato). David, cominciando a superarlo, scatenerà l’ ira del conducente “ignoto” dell’ autocisterna  che tenterà per tutto il film di sconfiggere e uccidere il suo sfidante, il suo duellante, scandendo il proprio urlo di battaglia con l’ assordante suono del clacson.

Malgrado una sceneggiatura (apparentemente) forse troppo lineare e semplice, siamo di fronte ad  un vero e proprio gioiello degli anni ’70 e per tecnica cinematografica e per teatralità scenica. La tensione è curata in modo preciso e raffinato, i colpi di scena sono costanti e inaspettati (almeno nella prima parte), riuscendo a dar vita ad un duello cavalleresco, ad una sfida mitologica d’ altri tempi nella realtà moderna, in cui al posto di armi e cavalli, ci sono automobili, quasi a mostrare la degenerazione della modernità  sull’ uomo che non fa altro che puntare all’ autodistruzione mascherata da sviluppo tecnico. Il film, girato in sole due settimane, fu concepito per il piccolo schermo ma ben presto, per l’ enorme successo riscosso, venne adattato al Cinema, aumentandone il minutaggio a 74’ e 90”. La fotografia e la scenografia sono essenziali e nette, una spada che arriva dritta al petto dello spettatore che è stupefatto quanto il povere conducente David per la situazione, non riuscendo a razionalizzare ciò che sta succedendo. La tragicità catartica è curata attentamente e l’ inquietudine è quasi palpabile. Il secondo  lungometraggio  di Spielberg, allora venticinquenne, che si è presentato così  al panorama cinematografico americano e all’ apprezzamento costante di critica e pubblico, che gli hanno aperto le porte a grandi produzioni immediatamente successive, come “Lo squalo” nel 1975. L’ happy end, tipicamente americano e che, di fatto, ci si aspetta, spezza in un attimo il terribile incubo e il camion cade in un dirupo prendendo fuoco  ma, mentre l’ autocisterna sta cadendo, la portiera rimane misteriosamente aperta, quasi come se l’ autista si fosse salvato. Ovviamente l’ identità del folle guidatore non viene mai mostrata ma durante la sequenza in cui l’ autocisterna punta dritto su David Mann (fermatosi in una cabina telefonica per chiamare la polizia), sul parabrezza del camion si può intravedere il volto dell’ autista impazzito.

Ormai un cult del Cinema americano, una leggenda di Hollywood, che mostra anche l’ avanguardia cinematografica americana , a livello soprattutto tecnico, rispetto all’ Europa, in quegli anni ‘70 in cui il Cinema americano raggiunse la sua consacrazione assoluta, grazie anche all’ arte di un regista come Steven Spielberg.